NERINA VILLAREAL // Adagio

Nerina, gracias por compartir tu arte con nosotros. ¿Qué significa el título "Adagio" para ti y cómo conecta con la temática de tu obra?

Para mí, el Adagio trasciende la mera literatura musical; simboliza ese momento de pausa que necesitamos para contemplar, a través de nuestros sentidos y emociones, cada una de las historias narradas en el lienzo, como si se tratara de una sinfonía visual.

_Tu exposición explora la relación entre el arte visual y el baile. ¿En qué sentido ha influido el baile en tu vida?

A lo largo de mi trayectoria artística, el ballet ha sido un viaje de exploración y autodescubrimiento. La música ha creado un vínculo inspirador que me permite establecer un diálogo profundo entre el público y el escenario. Así, la música en conjunto con el arte se transforma en un canalizador de emociones, permitiéndome, de manera espontánea, plasmar esos sentimientos en el lienzo como lo fue el ballet.

_¿Cómo influye el concepto de "tempo" en tu proceso creativo? ¿Cómo llevas esa idea al lienzo?

El concepto de "tempo" puede influir de diversas maneras en mi proceso creativo. En el contexto del arte, el "tempo" puede referirse al ritmo y la cadencia con la que se desarrolla la obra, así como a la energía y la emoción que se transmiten a través de los colores, las formas y las texturas.

Ritmo en la creación: El tempo puede dictar cómo se siente el proceso de creación. Si estoy trabajando en una pieza con un tempo rápido, puedo sentirme más impulsada a aplicar pinceladas enérgicas y dinámicas, mientras que un tempo más lento puede llevarme a ser más reflexivo y detallado en mi trabajo.

Transmisión de emociones: Al llevar esta idea al lienzo, puedo utilizar diferentes técnicas para reflejar el tempo. Por ejemplo, si quiero transmitir una sensación de urgencia o movimiento, puedo optar por líneas diagonales y colores vibrantes. En cambio, si busco una atmósfera más tranquila, podría elegir una paleta de colores suaves y formas más fluidas.

Interacción con el espectador: El tempo también puede influir en cómo el espectador interactúa con la obra. Una pieza que tiene un ritmo rápido puede atraer la atención de manera inmediata, mientras que una obra más pausada puede invitar a una contemplación más profunda.

En resumen, el concepto de "tempo" es fundamental en mi proceso creativo, ya que me ayuda a definir no solo cómo creo, sino también cómo quiero que los demás experimenten mi arte.

_Al venir desde Panamá a exponer en un lugar tan diferente como Marchena, ¿sientes que tu obra cobra un nuevo significado para el público aquí?

Definitivamente! Al exponer en un lugar como Marchena, siento que mi obra puede resonar de manera diferente con el público. Cada cultura tiene su propio contexto y sus propias experiencias, lo que puede hacer que ciertos elementos de mi trabajo se interpreten de maneras nuevas y sorprendentes. La diversidad de perspectivas enriquece la conversación en torno a la obra y puede darle un significado más profundo. Además, el intercambio cultural que se genera al compartir mi arte en un lugar tan distinto es una oportunidad maravillosa para conectar con las personas y explorar cómo nuestras historias pueden entrelazarse. Estoy muy emocionada por ver cómo el público aquí reacciona y se relaciona con mi trabajo.

_¿Puedes describir alguna pieza de "Adagio" que sientas que captura a la perfección la esencia de esta colección? ¿Qué emociones o movimientos buscaste expresar en ella?

Claro, una de las piezas que siento que captura esta esencia son la serie "Adagio" y “Aria” En estas obras, busqué expresar una sensación de calma y reflexión. Utilicé tonos suaves y líneas fluidas para evocar la serenidad que se siente en momentos de introspección.

Quería que las emociones de paz y conexión con uno mismo fueran palpables, así como el movimiento lento y deliberado que caracteriza a un adagio musical.

A través de esta obra, espero que el público pueda experimentar una pausa en su día a día y encontrar un espacio para la tranquilidad y la contemplación.

_Sabemos que "Adagio" es un tempo lento y contemplativo. ¿Cómo te ayuda este ritmo a profundizar en los temas que quieres explorar en tu obra?

El tempo es ideal para explorar temas profundos y complejos, ya que su lentitud permite una mayor reflexión y contemplación. Este ritmo invita a los oyentes a sumergirse, a sentir cada detalle y a conectar emocionalmente con la obra.

Al utilizar un tempo lento, puedo desarrollar ideas con más detalle, permitiendo que cada elemento tenga su espacio y tiempo para resonar. Esto también me da la oportunidad de jugar con las dinámicas y las texturas, creando momentos de tensión y liberación que enriquecen la narrativa de la obra.

Además, el "Adagio" puede evocar una sensación de introspección, lo que me permite explorar temas como la nostalgia, la tristeza o la belleza de lo efímero. En resumen, este ritmo me ayuda a crear un ambiente propicio para la reflexión y a profundizar en los sentimientos que quiero transmitir.

_¿Cómo ves la influencia de Panamá en esta colección? ¿Hay elementos visuales o sensoriales que conecten a "Adagio" con tu país de origen?

La artista Nerina Villarreal en su estudio

Sin duda en la serie “Aria” utilice los colores de la bandera de mi provincia de Herrera para rendir homenaje a su aniversario de fundación. Es genial cómo las coincidencias de fechas pueden hacer que esos momentos sean aún más significativos por celebrar ambos eventos el mismo día.

Los colores pueden evocar muchos recuerdos y sentimientos, y es una forma muy especial de conectar con mi identidad y mi comunidad.

_¿Cómo manejas esa relación entre estructura y espontaneidad en tu proceso?

Manejar la relación entre estructura y espontaneidad en el proceso creativo es fundamental para mí. Por un lado, la estructura me proporciona un marco que guía mi trabajo. Esto puede ser a través de un esquema, un tema específico o incluso técnicas que suelo utilizar. Tener una base sólida me ayuda a mantenerme enfocada y a desarrollar mis ideas de manera coherente.

Por otro lado, la espontaneidad es lo que le da vida y frescura a mi arte. A veces, surgen ideas inesperadas o momentos de inspiración que no se pueden planificar. En esos casos, trato de ser flexible y permitir que esas ideas fluyan, incluso si eso significa desviarme de mi plan original.

En resumen, busco un equilibrio entre ambos aspectos: utilizo la estructura como un punto de partida, pero siempre estoy abierta a la improvisación y a dejar que la creatividad me lleve a lugares inesperados. Así, mi proceso se convierte en una danza entre lo planificado y lo intuitivo, lo que enriquece mi obra final.

_Finalmente, después de exponer en un lugar como Marchena, ¿qué esperas llevarte de esta experiencia y cómo crees que influirá en tus próximos proyectos?

Después de exponer en un lugar como Marchena, espero llevarme una gran cantidad de aprendizajes y conexiones valiosas. La experiencia de interactuar con el público y recibir retroalimentación sobre mi trabajo es siempre enriquecedora. Creo firmemente que esta exposición me ayudará a reflexionar sobre mi estilo y mis temas, lo que sin duda influirá en mis próximos proyectos. Además, la inspiración que se puede obtener de un entorno nuevo y de la cultura local puede abrirme a nuevas ideas y enfoques creativos. Estoy emocionada por lo que vendrá y cómo esta experiencia enriquecerá mi trayectoria artística.